Hijas del pastor protestante Patrick Brontë, Charlotte (1816-1855), Emily (1818-1848) y Anne (1820-1849) fueron las tres hermanas escritoras de una familia formada además por un hermano (Branwell) y dos hermanas (Mary y Elizabeth) que murieron de tuberculosis a una edad muy temprana.
Las hermanas Brontë eran amantes del arte y la literatura, y sufrieron los inconvenientes de ser mujer en el Yorkshire de la época victoriana y tuvieron que publicar su obra con seudónimo.
El gran éxito de Charlotte fue “Jane Eyre”, y Anne destacó por su novela “Agnes Grey”. Emily, la más sensible y original de las tres hermanas, logró con la apasionada historia de amor de “Cumbres borrascosas” una de las obras maestras de la narrativa británica.
Los primeros mapas ancestrales los realizaron los babilonios sobre el 2300 a.C., y los inscribían en tablillas de arcilla. La mayoría de estos mapas eran medidas de distancias de terreno confeccionadas con la finalidad de recaudar impuestos.
Este es el “Mapa del mundo” que se expone en el Museo Británico de Londres. Es el mapa más antiguo que se conserva. La tableta de arcilla mide 12.2 cm de altura. El mapa fue elaborado en Babilonia y es el único mapa babilónico tallado a escala internacional.
Pertenece al periodo neo-babilónico (periodo persa, sobre el 500 a.C.) y es una copia del original del periodo sargónido, aprox. del siglo siete u ocho a.C. La tableta de arcilla es una descripción textual y visual del cosmos babilónico. Tiene una orientación hacia el noroeste y se desconoce si el texto cuneiforme que lo acompaña, fue tallado a la vez que el propio mapa.
Es el único mapa del mundo que existe del periodo neo-babilónico, ya que los otros sólo muestran planos locales.
POSTERIORMENTE
De 300 años después, datan los mapas más antiguos encontrados en China, los cuales se realizaban en seda.
>Más tarde, la antiguos griegos se convirtieron en los mejores cartógrafos. El concepto de la tierra esférica estuvo presente entre los filósofos griegos en el tiempo de Aristóteles (350 a.C.) y fue aceptado por los geógrafos desde entonces.
La cartografía romana alcanzó su cumbre con Ptolomeo. Su “nuevo mapa” representaba el Viejo Mundo desde la latitud 60ºN a la 30ºS. Escribió un trabajo monumental, “Guía a la Geografía” (Geographike hyphygesis), que permaneció como una referencia de gran peso hasta el renacimiento.
Claudio Ptolomeo (120-180 d.C.)
Mapa de Ptolomeo de alrededor de 150 d.C., republicado en 1482. Podemos observar el uso de las lineas de latitud y longitud y la proyección característica de este mapa.
El nuevo orden cultural y social revolucionario se plasmó en los usis externos, la vida privada y la forma de hablar y de vestir.
Aparecieron el tuteo, como símbolo de igualdad entre los ciudadanos, que pasó a formar parte del lenguaje cotidiano, mientras que la moda dio paso a trajes y vestidos más cómodos y ligeros, que en el caso de la mujer aumentaban la superficie de piel desnuda.
Se impusieron el azul, el blanco y el rojo de la bandera como colores dominantes en la vestimenta. El sans-culotte, prototipo de revolucionario, vestía gorro rojo, carmañola (chaqueta estrecha con botones metálicos) y pantalones largos.
Además, la mujer comenzó a salir del ámbito doméstico para adquirir un papel más importante en la vida pública y se introdujo el sistema métrico.
Su auténtico nombre era Lucille Fay Le Sueur, y llegó a convertirse en una de las más grandes estrellas del cine de todos los tiempos. Llegó a Hollywood en 1920, acariciando el sueño de ser bailarina y actriz. Pero como tantas otras chicas, no encontró trabajo y acabó dedicándose a la prostitución, con la particularidad de que sus clientes eran mujeres.
Su especialidad erótica, era su portentosa lengua, según dijo de ella la escritora Tallulah Bankhead, quien gozó de sus servicios en varias ocasiones: “Podía llevarte a las puertas del paraíso con un par de movimientos de su lengua”.
Esos tiempos no fueron momentos fáciles para Joan. En 1922 fue arrestada por ejercer la prostitución, y rodó varias cintas pornográficas. Pero su suerte cambió al conocer a la periodista Hedda Hopper, quien la recomendó en la Warner Bros. El resto es historia del cine. Con el nombre artístico de Joan Crawford se convirtió en una diva de la pantalla y protagonizó filmes como “De amor también se muere” (1946), “Los condenados no lloran” (1950), y siempre se la recordará por su papel de Vienna, la mítica heroína de “Johnny Guitar” (1954).
Cuando se encontraba en el momento más alto de su popularidad comenzaron a circular rumores sobre el hecho de que había participado en películas porno, cuando Joan todavía era conocida como Lucille. La actriz, entonces, se gastó alrededor de cien mil dólares en adquirir todas las copias de dichas películas con el fin de destruirlas.
Tiempo después, Joan averiguó que un coleccionista guardaba todavía algunas copias de “Labios de terciopelo” y “El lecho combado”. La casa del infeliz coleccionista ardió misteriosamente pocos meses más tarde, quemándose no sólo todas las películas que albergaba, sino también el dueño del hogar. Luego se dijo que un Conde de Austria poseía una copia de “El lecho combado” y que la veía todos los días en la soledad de su castillo.
En aquel tiempo, su vida sentimental era un verdadero desastre, no sólo se dedicaba a acostarse con jovencitos, sino que también fue citada al menos en dos ocasiones como «la otra» en procesos de divorcios.
A los cincuenta años poseía un cuerpo de ensueño a decir del que más tarde la dirigiría en la película Torch Song. Joan Crawford se presentó en casa del director, Charles Walters, ataviada con sólo un salto de cama y, tras desabrocharse el cinturón, le dijo: «Creo que debe usted ver con qué va a trabajar».
Walters, sumamente impresionado, sólo pudo relamerse ante semejante e inesperada agradable visión. Su último marido, Alan Steele, era el presidente de Pepsi-Cola. A su lado seguramente ganó algo de calma y un cierto sosiego. Según sus palabras, fue al único hombre al que llegó a amar. Al morir él de un ataque al corazón en 1959, ella heredó una inmensa fortuna, de la que no fueron partícipes sus dos hijos mayores ya que, como resultado de la publicación de un libro en el que su hija mayor relataba la oscura realidad de las miserables relaciones que Joan Crawford mantuvo con ellos dos, ésta los desheredó. La actriz poco a poco fue abandonando el cine para dedicarse a su trabajo como empresaria de la Pepsi.
A medida que pasaba el tiempo, el comportamiento de Joan Crawford, que ya de por sí era una mujer llena de manías y rarezas, se hizo aún más excéntrico e imprevisible. Bebía con asiduidad, sobre todo vodka, y solía recibir a sus visitas en ropa interior. Por aquel entonces mantuvo relaciones, entre otros muchos, con los jóvenes actores Rock Hudson y George Nader. Cada vez que cambiaba de marido cambiaba el nombre de la casa donde vivía y hacía poner las tazas de los inodoros nuevos. Siempre había sido una maniática de la limpieza, pero su conducta se fue radicalizando con el paso de los años.
Acostumbraba a lavarse las manos cada cinco minutos, y seguía a sus invitados limpiando todo aquello que tocaban, especialmente los picaportes y las piezas de su colección china. Nunca fumaba un cigarrillo si no era ella quien había abierto personalmente la cajetilla y no fumaba ninguno más si a alguien se le ocurría sacar algún otro cigarrillo de su cajetilla. Otra de sus extravagancias consistía en que sólo podía dormir con pijamas blancos.
Entre sus enemigos, podemos recordar la rivalidad que mantuvo siempre con Bette Davis, y con la que trabajó en el emblemático film “¿Qué fue de Baby Jane” (1962). Es famosa la frase que la Davis pronunció sobre ella: “Se acostó con todas las estrellas masculinas de la Metro, excepto con Lassie”.
Las peripecias del capitán Nemo a bordo del Nautilus en “Veinte mil leguas de viaje submarino” han llevado a mucha gente a pensar que Julio Verne fue el precursor de este adelanto, y sin embargo no fue así.
Julio Gabriel Verne (1828-1905)
En realidad, mucho antes de que ese libro fuera escrito y publicado en 1869 ya existía un prototipo llamado también Nautilus, que el inventor e ingeniero norteamericano Robert Fulton había presentado en Francia en el año 1800.
Robert Fulton (1765-1815)
Se trataba de un pequeño submarino de hélice que contó incluso con el apoyo financiero de Napoleón. Finalmente, el proyecto no llegó a prosperar, aunque seguramente inspiró al escritor francés para crear su famosa aventura bajo el mar.
Tampoco fue Julio Verne, como algunos han dicho, el precursor del fax, pese a que aparece descrito en París en el siglo XX. Esta novela que anticipaba el futuro y que no llegó a publicarse en vida de su autor fue terminada de escribir en 1863, mientras que el fax había sido inventado unos años antes.
Su desarrollo se debió a Alexander Bain, un inventor escocés que obtuvo la patente para su fabricación en 1843 y cuyo diseño aún sirve de base a muchos telefax de la actualidad.
En una reunión de matemáticos de Estados Unidos, aprovechaban los almuerzos para conocerse. El primer día, Halmos se acercó a un joven matemático y le dijo:
- “Soy Halmos. ¿Y usted?”.
- “Smith, encantado de conocerlo”.
Despistado como pocos, volvió el segundo día a presentarse de nuevo:
- “Soy Halmos. ¿Y usted?”.
- “Smith, encantado de conocerlo”, le volvió a responder el chico gentilmente.
Al tercer día, y viendo que Halmos contraatacaba, habló primero:
- “Usted es Halmos. ¿Y yo?”.
Paul Halmos (1916-2006) fue un matemático húngaro que realizó grandes avances en las áreas de la teoría de la probabilidad, estadísticas, operadores, análisis funcionales (en particular, de los espacios Hilbert) y las matemáticas lógicas. También fue reconocido como un gran orador del campo matemático.
A comienzos del siglo XX, el deporte se incluía ya como contenido habitual en la nueva prensa de masas que aspiraba a entretener a sus lectores. Primero con noticias sueltas, después con secciones específicas, e incluso con suplementos.
Los deportes más seguidos en 1914 eran el ciclismo, el atletismo y el fútbol. Más tarde aparecieron periódicos y revistas especializadas. Uno de los primeros y todavía en la calle “El mundo deportivo” de Barcelona, nacido en 1906 como semanario, se transformó en diario en 1929.
“Marca” surgió en plena Guerra Civil en San Sebastián (1938), como semanario deportivo falangista; en 1942 pasó a ser diario y se ubicó en Madrid, y es hoy el deportivo más leído.
“As” nació semanal con la II República (1932-1935) y reapareció, como “Diario As”, en 1967.
En la radio, desde 1924, año en el que EAJ1 Radio Barcelona (primera emisora de España) comenzó a emitir, se escuchó información deportiva en las ondas españolas. Desde 1937, Radio Nacional incluía noticias de deportes en sus diarios hablados, así como transmisiones en directo de partidos de fútbol.
Programas pioneros fueron “Marcador” (1947), dirigido por Carlos Alcaraz, “Altavoz Deportivo” en la SER, y “Carrusel Deportivo” de Bobby Deglané (1954).
La primera televisión también incluyó los deportes como estrellas de su programación. En Barcelona se agotaron todas las existencias de televisores días antes del 15 de Febrero de 1959, fecha del partido entre el Barça y el Real Madrid.
Pedro Muñoz Seca, el autor de “La venganza de Don Mendo”, recibió una carta del ministro de Cultura que decía: “(…) Es usted un escritor de gran popularidad, por lo que resulta especialmente lamentable que el lenguaje empleado en sus obras sea tan vulgar y malsonante”.
Al poco, el ministro recibió respuesta: “Estimado Sr. ministro: En este mismo instante, tengo su carta delante. En breves momentos, la tendré detrás”.
Este dudoso honor recayó en el filósofo cordobés Lucio Anneo Séneca . Influido por las enseñanzas de los estoicos, cuya doctrina desarrolló en profundidad, Séneca se convirtió en pretor en el año 49 y fue nombrado tutor de Nerón, el hijo adoptivo del emperador Claudio.
Tras la muerte de éste en el 54, Nerón ocupó el trono; la moderación que caracterizó los primeros cinco años de su mandato se debió a la sana influencia del filósofo, que lo intentó todo para llevar al emperador por el buen camino. Pero su pupilo pronto se reveló como un ser megalómano, paranoico y perverso, ajeno a cualquier tipo de control.
Nerón Claudio César Augusto Germánico (38 - 64 d.C.)
Retirado de la vida pública, Séneca se dedicó a escribir hasta que en el 65 se vio envuelto en una conspiración para asesinar a Nerón. Después se suicidó abriéndose las venas.
Imagino que a estas alturas muchos de vosotros conoceréis ya su nombre, y puede que también algo de su obra, por el simple hecho de tener inquietudes artísticas en general, cierto afán autodidacta, o puede que en gran parte debido una vez más, como no, a Madonna, por mostrar parte de su obra en algunos de sus míticos videos y giras mundiales, cuando todavía era una auténtica desconocida para el gran público, y de la cual, la propia Madonna, junto con Jack Nicholson y Barbra Streisand, (a pesar de haber subastado hace algunos años varios de sus cuadros), son grandes conocedores y coleccionistas de su obra.
Pues bien, me gustaría compartir con todos vosotros mi gran pasión por esta genial y a pesar de todo aún “desconocida” artista, ya que aunque parezca increíble, a día de hoy, su bibliografía es casi inexistente, y su biografía, confusa…, por lo que en un enorme ejercicio de audacia, he decidido resumiros un poco todos los datos que he ido recopilando y de los que dispongo en estos momentos sobre su vida y su obra para conocer mejor a esta hedonista, sibarita, excéntrica, inteligente, atractiva y ambiciosa mujer y artista, rodeada a lo largo de toda su vida de un cierto halo misterioso y ambiguo que conservó hasta su vejez, ya como una respetable gran dama, y que siempre se mantuvo unida a una élite intelectual, artística y económica.
Autorretrato en Bugatti, 1925
Son los felices Años Veinte…, los increíbles Années Folles, Coco Chanel propone una “Garçonne” que conduce, fuma y bebe con absoluta despreocupación. ¡Hay que ser snob! Moverse y amar la fugacidad, todo rápido y sin pensar, lo importante es no parar…, es la erótica de la velocidad. El “tout le monde” se reune en el casino, el club de moda o el cabaret, y se busca sin descanso la felicidad.
Al inicio de esos años locos llegó a París una pintora que afirma ser de origen polaco, y cuya aureola mundana se impuso a los propios cuadros. En una Europa de entreguerras, también marcada por la depresión, el arte, recupera con ella la dulzura de los sentidos, la sensualidad y el erotismo.
Una artista de la que casi todos conocemos su autorretrato, ¿quién no ha visto alguna vez su insinuante rostro tras el volante de un Bugatti verde?, y que algunos confundieron e identificaron en su momento como Isadora Duncan, tal vez por la relevancia de un coche en sus vidas, pero son pocos los que recuerdan su nombre y menos aún los que han podido disfrutar del conjunto de su obra; una obra dispersa y fragmentada, que pertenece en un alto porcentaje a colecciones privadas y solo ocasionalmente ha podido ser reunida para exposiciones antológicas, como ocurrió en 1972 en París, la primera gran antológica sobre su obra, pero que se limitó solo a su época parisina, - que la hizo de nuevo famosa y la rescató del olvido siendo ya una venerable anciana después de más de 30 años de su marcha a EEUU-, muy similar a la que en este pasado verano del 2004, le organizó la Royal Academy of Arts de Londres, y que ahora se encuentra en Viena.
También pudieron verse retrospectivas de su obra, en 1981 en Tokio, en 1994 en Villa Medici, Roma, y en 1997 en el Museum of Fine Arts of Hiroshima.
Estoy hablando de Tamara de Lempicka…, una mujer que atraviesa con rapidez la bohemia de Montparnasse, y el anonimato, para entrar en un mundo de élite. Elegante y sensual, enamora a la alta sociedad parisina y permanece ajena al febril ritmo del charlestón y a las masificadas calles desbordantes de luces y risas. Permanecerá unida a círculos minoritarios, refinados y cultos que apuestan por lo nuevo mediante una simbiosis de la sofisticación del “bon gout” y el funcionalismo del “spirit nouveau”.
Rodeada de lujo, se convierte en la retratista de moda de una aristocracia y burguesía que los refleja con un extraño realismo, serenidad y voluptuosidad, impecables y perfectamente vestidos, muestra evidente del elitismo y el reflejo de su propia vida, y aún siendo muy joven obtiene un reconocido y merecido éxito, y las exposiciones, tanto individuales como colectivas, y los premios, fueron acumulándose en su currículum de artista con ritmo incansable, como el primer premio en la Exposición Internacional de Bellas Artes de Burdeos en 1927, por ejemplo. Varios salones de la III República acogieron sus obras y algunos museos nacionales se apresuraron a conservarlas, como el museo de Nantes, y su entonces muy rigurosa sección de arte contemporáneo.
Según la biógrafa, Laura Claridge, que recientemente publicó su biografía, nació en Moscú, y no en Varsovia como afirmaba la propia Tamara, en 1895, y no en 1898, como citan la mayoría de las fuentes, o incluso 1902. Su madre era polaca y su padre un acomodado judío ruso que desapareció de su vida de forma extraña. Estudia en la academia Imperial de Bellas Artes de San Petersburgo, y huye de la Rusia bolchevique acompañada de su marido Lempicki, llegando a París en 1923. El matrimonio tiene una hija – Kizette-.
Kizette on the balcony, 1927 (Centre Georges Pompidou)
Separados en 1928, la artista seguirá conservando el nombre de su marido. En Suiza, se casó con el húngaro Barón Raoul Kuffner – de ahí el título de baronesa- , adinerado y muy conocido en la aristocracia cosmopolita de ambos lados del Atlántico. Con él vivió en un palacete de tres plantas en la rue Méchain, al lado del Observatoire, en un edificio diseñado junto con el mobiliario, por el arquitecto cubista Mallet- Stevens, de concepción tan sorprendente y avanzada que dieron mucho que hablar por aquel entonces.
Foto Studio
Sus fiestas fueron punto de reunión de aristócratas, embajadores, financieros, artistas y personalidades que visitaban la ciudad.
La belleza y la sofisticada elegancia con la que siempre vistió, así como su enorme poder de seducción, y su fama de artista, eran el eje de un vasto y móvil cenáculo, y provocó grandes pasiones en personajes de renombre, como en el escritor futurista y activista político del partido fascista italiano, Filippo Marinetti.
Pero sin duda alguna su episodio más conocido, fue su huida de La Vittoriale en 1927, el palacio y ciudadela monumental en Lago Gardone, - antigua propiedad de la familia Wagner-, donde el poeta, dramaturgo y militar, Gabriele d’Annunzio, intentó seducirla con sus más experimentadas técnicas, hospedándola en la habitación de Leda, la alcoba de la que ninguna mujer había salido incólume hasta entonces.
Esta sala estaba repleta de porcelanas chinas, filigranas de oro, pieles de animales salvajes y alfombras orientales, impregnada por un perfume intenso que desprendían unos pebeteros, destacaba en el centro, el gran lecho, lleno de almohadones. El escritor la había invitado con la idea de que le hiciera un retrato, pero contrario a posar, d’Annunzio se dedicó inmediatamente a cortejarla. Intentó provocar en ella el reflejo de su vanidad, echando a sus pies vestidos y adornos más o menos lujosos, incluso hizo que el acorazado Puglia disparase salvas en honor de la Lempicka.
No sirvió de nada, Tamara no cedía, y tras varios días de acecho, y con varios escritos que no recibieron respuesta, una noche irrumpió desesperado en la exótica y recargada habitación de Leda, mientras su invitada dormía. Ella no tuvo tiempo de reaccionar y según cuenta Foschini, que entrevistó a la Lempicka en Capri, “Gabriele se convirtió en un huracán de palabras”, y sus caricias y súplicas no lograron resultado alguno. Tamara huyó del Vittoriale dejando a un d’Annunzio trastornado por los sentidos, lamentándose de su vejez y hundido en el fracaso, concluyendo así el encuentro, o mejor, enfrentamiento entre la artista y el poeta.
Foto Vittoriale Burial
Cuando a partir de 1939 deciden afincarse en los EEUU, la pareja no dejará de llamar la atención. Y además de dedicarse a viajar entre Nueva York y Chicago, Santa Fé y las Montañas Rocosas, donde al igual que en Beberly Hills, tenían un “refugio”, que había pertenecido al cineasta, King Vidor, sus “soirées” en este último lugar adquirieron un gran prestigio, y en el estudio de la artista, o como invitados a sus colosales fiestas, era frecuente la presencia de nombres como Annabella y Tyrone Power, Dolores del Río, Gloria Swanson, Mary Pickford, Charles Boyer, Vicky Braum y Juan Romero, Luigi Filiasi y Theda Bara, Conchita Pignatelli y Lorna Hearst, el barón de Rothschild, e incluso la Garbo o la Dietrich.
Lempicka sigue pintando, exponiendo, y cometiendo excentricidades…, pero cualquier rastro queda difuminado, y a pesar de estar muy cercana a la American Scene, cada vez es más conocida y aplaudida como Baronesa Kuffner que como Tamara de Lempicka. Era una mujer muy bella, de eso no hay duda, d’Annunzio la llamó “la mujer de oro”, los periodistas se extasiaban al verla, y les asombraban sobre todo sus manos, de “lenta gesticulación”, y que según Vittorio Foschini, daban la impresión de que “acariciaban siempre”, pero también su pelo y su lujoso guardarropa.
Todos se maravillaban con su alta figura, suave y armoniosa en sus movimientos, con su rostro iluminado por dos grandes ojos de mirada perdida y algo artificiales, con la boca dispuesta a la sonrisa y unos labios pintados con los más raros “rouges” de París. Pero todo esto no debe ocultar una personalidad ágil, inteligente e inquieta, que le indujo a tomar contacto con lo “nuevo” que entonces nacía en París.
Desde su llegada a Francia se preocupó por perfeccionar su técnica pictórica. De su primer maestro, el metódico e intransigente Maurice Denis, angelical y diabólico al mismo tiempo, predicador del Neotradicionalismo parisino, y con quien estuvo poco tiempo, la Lempicka aprendió a simplificar las formas y a utilizar el color.
Pero mucho más decisiva fue la influencia de su segundo profesor, André Lhote, pionero del cubismo sintético, concibe el cuadro como una rigurosa combinación de planos y colores, y al igual que todos los Neo-cubistas, la geometrización pierde virulencia y el fin perseguido tiene un claro valor decorativo. A estas ideas que transmitió a Tamara, Lhote añadió otra: le enseñó a apreciar el clasicismo de Ingres destacando el alto valor de sus desnudos.
Les Rythmes
En su obra, escasa y bastante desconocida, la síntesis de cubismo, clasicismo y realismo no pierde el carácter decorativo propio de la época, pero supera el estereotipo de Art Decó con el que habitualmente se la identifica. La pintura de Tamara, cuya obra en esencia la componen retratos y desnudos, tiene un encanto sumamente personal. Las formas y los fondos se convierten en perfectos análisis geométricos y verdaderos estudios cubistas del color, y emana un atractivo perfume a vicio y alta sociedad.
Retrato de Madame Boucard, 1928
Aunque también pintó algunas obras de carácter seudo-religioso, en una especie de ejercicio de hedonismo ateo de élite. Aseguraba Oscar Wilde, que las cosas sagradas son las únicas que merece la pena profanar. Respecto a sus retratos, nos hallamos ante una especie de galería de la alta burguesía, y en ciertos casos, de la aristocracia del periodo de entreguerras, en absoluto indiferente a las sugerencias de la publicidad y de las exquisiteces y vanidades de la época, que a simple vista pueden parecer demasiado racionales y fríos.
Pero si los observamos atentamente, cada rostro habla con fuerza propia y define una personalidad: junto a una hábil técnica y un acabado impecable coexiste una profunda valoración de la psicología del modelo que en ocasiones nos recuerdan a la Nueva Objetividad Alemana de George Grosz, Otto Dix, y sobre todo, Christian Schad, claro está, perdiendo toda agresividad social.
Claros ejemplos son, entre otros, “El Retrato del Gran Duque Gabriel”, de uniforme rojo, que con una mirada espectral, refleja la muerte de la nobleza rusa. “El Retrato de la duquesa de La Salle”, una atrevida y dominadora lesbiana vestida con traje negro de amazona andrógina, (no en vano, en esos años, en los círculos distinguidos y sin prejuicios, llamaban amazonas a las lesbianas), mira fijamente y ostenta humores indudablemente malignos, sabiendo que es la reina de las noches de sexo y cocaína.
O el “Retrato de un hombre con gabán”, primer marido de Tamara, Tadeusz Lempicki, hombre dolorido que mira con seriedad, con un abrigo negro, sombreo de copa en la mano y un foulard blanco al cuello, y que protestaba durante los primeros años de vida común en París, sabiéndose traicionado por las continuas infidelidades de su mujer, que lo ponía en evidencia pintando a sus amantes. El retrato está inacabado.
Retrato del Gran Duque Gabriel, 1926
Retrato de Tadeusz Lempicki, 1928
Retrato de la duquesa de La Salle, 1925
En los desnudos, que hay en gran número, de nuevo aparece la sorpresa, y tras una aparente rigidez, con posturas que en ocasiones semejan estatuas, sorprende la cerebral e inmediata corporeidad de los personajes representados, así surgen cuerpos que rozan lo tangible, absolutamente carnales, y la voluptuosidad adquiere tal clímax, que lo sensual se torna sexual, provocativo y casi escandaloso.
Gigantescas mujeres con marcado valor sexual. Ejemplos notables de esta reducción a la carnalidad son sin duda, “La Belle Rafaela”, “Femmes au bain”, “La Dormeuse”, o quizás, la más perturbadora de todas, “4 desnudos”, donde 4 mujeres gimen y se retuercen llevadas por la voluptuosidad, y donde podemos reconocer a Nana de Herrera. También se podría afirmar, si las modelos no holgazanearan, y se diría que vigiladas por ojos impúdicos, que sufren algún tipo de abuso, como la sometida “Andrómeda”, o la joven de “L’ Heure Bleue”.
Femmes au bain, 1929
La Dormeuse, 1923
L’Heure bleue, 1931
4 desnudos, 1925
La ignorancia de los acontecimientos de la vida de la artista, y la carencia de análisis profundos sobre su obra, son una prueba más de la bárbara iconoclasta, a la que se vieron sometidos durante casi medio siglo, todos aquellos artistas que no quisieron formar parte de las vanguardias de la Escuela de París, y que se vieron por ello privados de su legitimidad y con el paso de los años, olvidados y desterrados de la historia de la pintura internacional, al igual que no se sabe cuantos impertérritos figurativos, entre los que también estaban, Balthus, Alexander Deineka, Anton Räderscheidt, Edward Hopper, Paul Delvaux, Raphael Soyer o Alberto Martini, junto con todas aquellas cosas, hechos y personas acusados de apostasía.
La Belle Rafaela
Retrato del Marqués de Sommi, 1925
Andrómeda (Schiava) 1929
Retrato del Marqués d’Affitto, 1925
En 1986 Madonna muestra en uno de sus videos, “Open your heart”, del polémico realizador francés, Jean-Baptiste Mondito, las primeras imágenes de algunos de sus cuadros, un collage con las siluetas recortadas de la impresionante Andrómeda y La Belle Rafaela a modo de fachada del decadente antro donde actúa, o como algunos de los rostros masculinos también recortados para la ocasión, y que la observan mientras baila, y entre los que podemos distinguir el Retrato del Marqués de Sommi, el del Marqués d’Affitto, o el rostro del Gran Duque Gabriel.
Fotogramas del video “Open Your Heart”:
Cuadros originales que aparecen en el video (por orden): La Belle Rafaela, retrato del Gran Duque Gabriel, Andrómeda, retrato del Marqués de Sommi y retrato del Marqués d’Affitto.
Al año siguiente, en 1987, y en su gira mundial, Who’s that girl tour, utiliza como introducción al concierto las imágenes de los cuadros, The Musician y Andrómeda.
Fotogramas del “Who’s That Girl Tour”, correspondientes a la introducción:
Cuadros originales que aparecen (por orden): Andrómeda y The Musician.
Ya en 1990, y en otro de sus clásicos, Vogue, aparecen de nuevo varios cuadros de la Lempicka al comienzo del video, apoyados en caballetes. Volvemos a encontrarnos en primer lugar con The Musician, y con La Belle Rafaela en un segundo plano, también con un fugaz plano del torso de Andrómeda, y por último, con el Retrato de Nana de Herrera, bailarina andaluza, alegoría de la telúrica sensualidad española.
Fotogramas del video “Vogue” (el cuadro “La Belle Rafaela” aparece volcado, por ello la segunda imagen de los fotogramas aparece volcada, para apreciar mejor el cuadro):
Cuadros originales que aparecen en el video (por orden): Andrómeda, La Belle Rafaela, The musician y Nana de Herrera
Por último, ese mismo año, en su controvertida y polémica gira mundial denominada, Blond Ambition Tour, Madonna vuelve a utilizar imágenes de sus cuadros a modo de una especie de enorme collage, esta vez como fondo del escenario, con algunos de sus desnudos, simulando una gran orgía, mientras interpreta precisamente el tema, Vogue. Se distinguen claramente cuadros como Adán y Eva, Dos amigas, o de nuevo la figura de Andrómeda.
Fotogramas del “Blond Ambition Tour”, correspondientes al tema “Vogue”. Pinchad en los fotogramas para ampliar la imagen, ya que el fondo es bastante oscuro:
Algunos de los cuadros originales que aparecen en el collage (por orden): Andrómeda, Adán y Eva y Dos Amigas.
Quizá un pequeño guiño a los años de excesos de la pintora en París, donde se dice que después de sus numerosas juergas privadas, donde corría la droga, y tras visitar luego garitos a la orilla del Sena, donde participaba en orgías colectivas, Tamara volvía a casa, y entre las brumas de la cocaína y del recuerdo del sexo furtivo con desconocidos de ambos sexos, pintaba sus lienzos hasta caer rendida a primeras horas de la mañana.
The Musician, 1929
Deux Amies, 1930
Retrato de Nana de Herrera, 1929
Adán y Eva, 1931
Era una mujer libre, independiente, contradictoria y transgresora, prototipo durante aquella época de la mujer moderna, y aunque la rica sociedad americana, o los porteros del Ritz de París y del Grand Hotel de Montecarlo la llamaban Baronesa Kuffner, apellido de su segundo marido, en su juventud fue la bellísima pintora Tamara de Lempicka, de sexualidad desbordante, y de la que todavía hoy en día se conoce relativamente poco, aparte de los documentos de su célebre belleza y elegancia imcomparables, de los cotilleos que la acompañaron sin cesar por Europa y América, y de sus magníficos óleos de los años 20 y 30.
Una figura cultural de perfiles imprecisos, una vida que podría calificarse de frívola, aunque ello esconda, sin duda, una callada envidia, cuya obra ha sido rescatada del olvido y ha sido expuesta de nuevo a la atención general, y que se he revalorizado con los años hasta alcanzar los 2 millones de dólares la subasta de uno de sus cuadros a mediados de los 90. El resto sigue siendo laberinto, reflejo, murmullo, leyenda.
(Si pinchas en algunas imágenes de esta página, verás que contienen links a versiones de más calidad de la propia imagen)
Galeria adicional de cuadros de Tamara Lempicka
Ametista, 1946
Dama in blu, 1939 (Nueva York, Museo Metropolitano)
Dormeuse, 1934
Dottor Boucard, 1928
Femme a la colombe
Jeune fille a la fenetre
La convalescente, 1930
La dormeuse
Le chapeau de Paille (The straw hat) 1930
Les arums, 1941
Retrato Arlette Boucard, con calas 1930
Mere et enfant (Maternite), 1928
Nudo con voilé, 1931 (Nueva york, galería Bruce R. Lewin)
Paisaje surrealista
Retrato de Madame P.
Printemps
Ragazza in verde (Girl with gloves), 1929 (Paris, Centro Georges Pompidou)
Retrato Madame Allan Bott, 1930
Retrato Marjorie Ferry, 1932
Saint-Moritz, 1929 (Orléans, Museo de bellas artes)
La mayoría de las monedas, derivan de palabras Latinas y se las nombra en alusión a personajes, lugares o cosas.
Incluso la palabra “moneda”, proviene del latín “cuneus”, que significa cuña, y se le llamó por este nombre debido a que las primeras monedas, se parecían a las cuñas que los muertos usaban para acuñar las monedas.
Otra versión más veraz, afirma que proviene del nombre de la diosa Juno (Juno Moneta), que era la diosa cuyo templo estaba al lado de la casa romana donde se acuñaban las monedas. “Moneta” en latín deriva del verbo “monere”, que significa “aconsejar o advertir”, ya que los romanos recurrían a esta diosa cuando precisaban consejos.
El céntimo, proviene del latín “centum”, que significa cien. La moneda de diez centavos norteamericana, el “dime”, proviene del latín “decimus”, que significa décimo y el franco francés, del latín ”Franconium Rex”, que significa “Rey de los Francos”.
Otra forma de llamar a las monedas, está relacionada con su peso. La libra inglesa, se traduce del latín “libra pondo”, que es la medida de peso de la libra (454 gramos). De esta relación con el peso, nacieron las monedas españolas peso o la italiana lira.
Otros nombres de monedas, provienen de los metales con los que están fabricadas. La moneda de cinco centavos estadounidense “nickel” (níquel), está hecha con níquel. El dólar, no siempre tuvo forma de papel, y originalmente provenía de las minas de plata de Bohemia, donde se extraía dicho metal para fabricarlas. Luego las acuñaban en la ciudad de Joachimsthal. De este modo, la moneda se empezó a llamar “Joachimsthaler”, y terminó siendo acortada llamándola por su final, “thaler”, y de ahí derivó en la palabra dólar.
Otros países, usan su propia palabra para decir “corona” al llamar a su moneda: crown, sovereign, krone, krun, krone o corona, demuestran la relación con la autoridad de la corona que daba el permiso para acuñar las monedas.
Otras monedas, llevan los nombres en honor a ciertos héroes, como la panameña balboa (por el explorador Balboa), el bolivar venezolano (por uno de sus héroes nacionales, Simón Bolívar) y el sol peruano, en relación al Sol que adoraban los Incas.
Simón Bolivar Palacios y la moneda que le honra, el Bolivar.
El garrote (también garrote vil o garotte) fue un método común de ejecución para los civiles en España. Fue introducido entre 1812 y 1813, al comienzo del reinado de Fernando VII, para reemplazar la forma anterior de ejecutar a la gente ahorcándola. Al menos 736 personas, 16 de ellas mujeres, fueron ejecutadas en España bajo este sistema, aunque siempre pueden haber irregularidades en los registros de los que se tiene constancia.
Unas 96 personas, 2 de ellas mujeres, fueron agarrotadas entre 1900 y 1935. Posteriormente, durante la Guerra Civil, fueron ejecutados 110 hombres y 3 mujeres. Las ejecuciones en este periodo, también se realizaron por tiroteos y las últimas en España, por pelotones de fusilamiento. El tiroteo fue empleado más por los tribunales militares, aunque, no hay nada claro al porqué los tiroteos de asesinos civiles. La mayoría de las ejecuciones del siglo XX, ocurrieron por asesinato o crímenes relacionados con el terrorismo, aunque el bandolerismo era considerado un crimen capital, sobre todo en la década de 1950.
Entre 1950 y 1974, fueron ejecutados 65 hombres y 2 mujeres por el método del garrote en España, uno de ellos siendo de Las Palmas de Gran Canaria. Todos ellos eran asesinos o se dedicaban al pillaje o terrorismo. En el mismo periodo, 11 personas fueron ejecutadas en pelotón de fusilamiento.
La última mujer ejecutada por agarrotamiento fue Pilar Prades Expósito Santamaría, que fue ejecutada el 19 de Mayo de 1959 en Valencia bajo el cargo de envenenar a su empleada, Doña Adela Pascual Camps, el 18 de Mayo de 1955. La ejecución la llevó a cabo el señor A. López Guerra.
Francisco Granados y Joaquín Delgado, ejecutados en 1963.
Las otras tres ejecuciones después de la Guerra Civil, fueron debidas al cargo de envenenamiento, siendo las otras dos restantes: la joven de 23 años María Domínguez Martínez, que también envenenó a su empleada y fue ejecutada el 23 de Mayo de 1949 en Huelva, y Teresa Gómez Rubio, que murió el 16 de Febrero de 1954 en Valencia por el cargo de tres asesinatos cometidos entre 1940 y 1941.
El garrote fue utilizado por última vez el 2 de Marzo de 1974, cuando dos hombres fueron ejecutados el mismo día: Salvador Puig Antich fue ejecutado en Barcelona por A. López Guerra, con el cargo de haber disparado a un oficial de policía durante un robo el año anterior, y Heinz Chez, que fue ejecutado en Tarragona a manos de J. Monero Renomo, con el cargo de asesinato terrorista a un Teniente de la Guardia Civil.
Salvador Puig Antich, joven anarquista integrante de la M.I.L.
El garrote usado para la ejecución de Salvador Puig Antich el 2 de Marzo de 1974, se muestra en la Fundación Camilo José Cela, en Iria Flavia.
Las últimas ejecuciones en España, en 1975, no podían usar este método debido a problemas burocráticos. Por esa época, sólo había un ejecutor, y los condenados estaban situados en tres ciudades diferentes: Madrid, Barcelona y Burgos. De este modo, las últimas cinco ejecuciones se resolvieron en pelotón de fusilamiento el 27 de Septiembre de 1975, cuando cinco hombres fueron tiroteados por asesinatos relacionados con el terrorismo (dos mujeres cómplices fueron absueltas).
Tres de los hombres fueron disparados en Madrid: eran José Humberto Francisco Baena Alonso de 24 años, Ramón García Sanz de 27 años y José Luis Sánchez-Bravo Sollas de 21 años, los cuales habían matado a unos policías en 1975. Juan Paredes Manotas de 21 años, fue ejecutado en Barcelona por un crimen similar, mientras que Angel Otaegui Echevarría de 33 años fue ejecutado en Burgos. Las condenas capitales fueron abolidas en 1978 con la Constitución Española.
El Agarrotado, por Francisco de Goya.
La primera mujer en ser agarrotada fue Juana Rivero en Madrid el 3 de Noviembre de 1824 por robo.
La primera mujer en ser ejecutada por traición, fue Mariana Pineda, de 27 años, quien fue ejecutada el 26 de Mayo de 1831 en Andalucía. Mariana fue sentenciada por llevar una bandera en la que había bordado las palabras “Igualdad, libertad, ley”. Dicha bandera, fue quemada delante de ella mientras era ejecutada. Una de las puntas del garrote atravesó su cuello y salió por su boca. Después, como era habitual, su cuerpo fue llevado desnudo (la ropa se envió a caridad) envuelto en una sábana y se depositó en un ataúd de pino barato para ser enterrado.
La última mujer en sufrir una ejecución pública por el garrote, fue Higinia Balaguer, una criada de 28 años que fue ejecutada el 19 de Julio de 1890 a las 4 de la madrugada, por ser partícipe de un asesinato en un robo. Su ejecución tuvo lugar ante miles de espectadores que se agolparon en la Plaza de Armas de Madrid.
Ejecución en Filipinas del año 1901.
El garrote se montaba en una plataforma sobre un andamio de un metro y medio de altura al que se accedía por una escalera de 7 peldaños.
Las ejecuciones públicas terminaron en España con el agarrotamiento de Lluis Más y otros tres el 4 de Mayo de 1897 en Barcelona. Silvestre Lluis fue el primero en sufrir el garrote de forma privada cuando fue ejecutado en Barcelona el 15 de Junio de 1897 bajo el cargo de asesinato.
El garrote parece ser una técnica que evolucionó de una previa forma de ejecución china conocida como “la cuerda arqueada”. El criminal era atado a un poste vertical con dos agujeros perforados al mismo, y a través de los cuales, se pasaba las puntas de la cuerda de un arco grande. Luego se anudaban fuertemente alrededor del cuello por el ejecutor hasta que el condenado quedaba estrangulado.
En la versión española, el prisionero se sentaba en un poste pequeño con su espalda recostada en un poste principal, con una soga de cuerda alrededor de su cuello y el poste. El ejecutor giraba un palo insertado en la soga de modo que cada vez quedase más tensa y estrangulase lentamente al prisionero.
Tal y como se hizo en otros países, se buscaron y modificaron algunos mecanismos, de manera que el método del garrote fuese menos cruento. La siguiente forma del garrote comprendía un taburete de madera sobre el que se sentaba al prisionero con su espalda dando al poste. Después, se empezó a usar una silla de madera más fuerte a la que se ataba por los brazos, muñecas, cintura y piernas a los ejecutados.
En ambos casos, detrás del asiento, se encontraba un sólido poste al que se había anexado un fuerte torniquete operado por una manivela o una palanca de pesas, que estaba conectada a una punta o una pequeña hoja en forma de estrella que recorría el interior del poste. Cuando el mecanismo de la manivela se accionaba, la lanza entraba en el cuello del criminal y le seccionaba la columna vertebral, asegurando que el prisionero no muriese por estrangulamiento.
En algunas variantes, se usaba dos collares de bronce. Uno de los collares se unía a la pesa mientras que el otro se anexaba al poste. Ambos collares se giraban para permitir la entrada del cuello del prisionero. Cuando todo estaba preparado, el ejecutor operaba el mecanismo forzando uno de los collares hacia el exterior, quedando el otro en su sitio. Si estaba correctamente ajustado, dislocaba el cuello del prisionero y causaba una inconsciencia inmediata seguida de la muerte.
Ejecución por garrote en La Havana, Cuba, en el siglo XX.
Una ejecución por garrote de un ladrón llamado Jose de Roxas en Mexico alrededor de 1800, fue presenciada y descrita por el periodista Richard Ford de esta manera:
“El condenado montó en una plataforma y fue sentado en un pequeño poste con su espalda de cara a un poste principal. El ejecutor abrochó el collar de acero alrededor de su cuello. Cuando todo estuvo preparado, el ejecutor cogió la palanca con las dos manos y después de una señal que le hicieron, accionó la palanca de manera que tensó el collar fuertemente mientras un asistente cubrió con un paño negro la cara de Roxas.
Las convulsiones de las manos y el inflamiento del pecho fueron los únicos signos visibles de la muerte de este ladrón. Después de una pausa de unos segundos, el ejecutor inspeccionó por debajo de la tela y, después de dar una vuelta más al torniquete, retiró la tela. El hombre muerto sufría restos de convulsiones, tenía la boca abierta y las órbitas de los ojos retorcidas hacia dentro.”
Esta descripción es muy similar a la de otros testimonios acaecidos en el mismo periodo. En la mayoría de los casos, el prisionero perdía la consciencia muy rápidamente y moría después de unos minutos. El garrote, incluso en sus formas más evolucionadas, nunca podía garantizar una pérdida de consciencia inmediata, y nunca fue considerado tan rápido o menos cruel que el ahorcamiento.
El garrote se usó en las colonias españolas: Cuba, Mexico, Puerto Rico y Filipinas. También fue el método de ejecución oficial para los criminales corrientes en Portugal hasta su abolición en 1867.
Es un juego erótico de origen japonés que consiste en envolver el pene con un disfraz de papel para sorprender y divertir a la pareja, dándole más morbo y chicha al juego del amor.
Procede de las palabras japonesas “koki”, que es un pañuelo que llevan los actores del teatro japonés Noh, los “waki”, alrededor de la cintura cubriendo la zona genital, y “gamia”, que significa papel. Todos los actores Noh son hombres, y usan el koki para poder cambiarse rápidamente de vestuario. Lo utilizan de sombrero, máscara, venda e incluso como arma.
Este picante divertimento y preámbulo amoroso, ya se practicaba por la aristocracia japonesa en el siglo VII y consistía generalmente en recrear animales de los cuales, el hombre adquiría su fuerza y poderes.
En las noches de amor, el esposo envolvía su miembro viril y los testículos, con pañuelos de seda y cintas formando diseños divertidos y complejos. Luego, el paquete erótico se ofrecía a la amante, que lo desenvolvía sensualmente, cosa que excitaba a ambos.
Con el paso de los siglos, las telas fueron sustituidas por figuras confeccionadas con papel de seda y con el decrecimiento del precio del papel en el siglo XVIII, se hicieron más accesibles a la gente común y aumentó su popularidad.
Probablemente este arte procede del origami, el arte de crear figuras con papel, o del kirigami, el arte de cortar papel para hacer figuritas. Aunque se cree que debe provenir del tsutsumi, el arte de envolver regalos, un arte mucho más antiguo que todos los anteriores.
Aquí tenéis varios patrones por si tenéis tiempo y queréis probar experiencias nuevas.
Clasificado en Historia por Bender el 16 de Febrero del 2008
La sal es muy utilizada en todo el mundo, y aun así, es un ingrediente del que no se conoce mucho su valor. La sal de mesa, conocida comunmente como sal, es la sal específica cloruro sódico, cuya fórmula química es NaCl.
La sal es el condimento más antiguo usado por el hombre y su importancia para la vida es tal que ha marcado el desarrollo de la historia en diversas fases. Es posible que el primer tratado conocido sobre la sal apareciera publicado en China por el 2700 a.d.C.
Tipos de sales
La ubicación de depósitos de sal tuvo especial relevancia en los emplazamientos de asentamientos humanos, pues permitió conservar los alimentos. Por este motivo, se crearon rutas específicas para el mercadeo de sal y se han producido numerosas guerras por controlar los depósitos y los mercados.
Roma tiene origen en una ruta destinada al transporte de sal. El término salario, derivado del latín “salarium”, proviene de sal y tiene origen en la cantidad de sal que se le daba a un trabajador para poder conservar los alimentos.
Hasta el siglo XIX se cobraba un impuesto para la sal, y una de las primeras medidas que se tomaron durante la Revolución Francesa fue abolirlo, pues fue uno de los detonadores de la misma.
Pues la pionera en moda atrevida en los salones parisinos, fue Teresa Cabarrús, considerada una de las mujeres más seductoras de su tiempo.
Hija de un conde, Teresa nació en Carabanchel Alto, por entonces un pueblo vecino a Madrid, y a los 12 años fue a vivir a París con su familia.
Era ingeniosa, guapa y con ganas de triunfar en la sociedad, con 14 años se casó con el marqués de Fontenay, del que se divorció en 1793.
En 1794 se casó con Jean Lambert Tallien, uno de los líderes de la revolución quien adelantó el golpe de estado de Thermidor que llevaría a Robespierre a la guillotina para salvar la vida de Teresa, que había sido encerrada en una cárcel de París durante el periodo de terror.
Divorciada de Tallen debido a sus infidelidades con el mismo, Teresa llegó a devanear con Napoleón, tuvo varios amantes, como el político Barras y el banquero Ouvrard, y marcó la moda atreviéndose a llevar faldas abiertas y trajes de muselina pegada al cuerpo que marcaban las formas.
Tuvo ocho hijos de distintos hombres y murió en el castillo de Chimay a los 62 años.
Lempicka sigue pintando, exponiendo, y cometiendo excentricidades…, pero cualquier rastro queda difuminado, y a pesar de estar muy cercana a la American Scene, cada vez es más conocida y aplaudida como Baronesa Kuffner que como Tamara de Lempicka. Era una mujer muy bella, de eso no hay duda, d’Annunzio la llamó “la mujer de oro”, los periodistas se extasiaban al verla, y les asombraban sobre todo sus manos, de “lenta gesticulación”, y que según Vittorio Foschini, daban la impresión de que “acariciaban siempre”, pero también su pelo y su lujoso guardarropa.
